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La música y los sonidos de Solaris: Tarkovski y Artemiev por Miguel Ángel Pérez


“Che cos’é un poeta?
È un regista che crea il proprio mondo
e non tenta di riprodurre la realtá che lo circonda”
Andrei Tarkovski

El compositor en el caso de trabajar para Tarkovski trabaja al servicio de un director con una idea muy concreta de la función que la música ha de realizar en el cine. El director ruso da unas directrices al compositor sobre cómo tiene que sonar su película, sin embargo, también le deja libertad a este para poder enriquecer la película. De manera que la música y sonidos de Solaris no pertenecen tan solo al compositor, también pertenecen al director, ya que Andrei Tarkovski es un autor que tiene las premisas muy claros en todo lo que concierne a sus películas. Desde el universo visual, es muy pictórico, al sonoro. El director tiene muy claro como ha de sonar su película y porque.
En esta película el uso de la música electrónica es ejemplar, Artemiev la articula a medida de la película, constituye no solo un elemento más de la película sino que es la película en sí misma.
El concepto de música electrónica se suele usar como adjetivo de música con ritmo trepidante1. En el caso de Solaris la música no es así, las piezas utilizadas tienen una función como la de crear ilusión de una situación, como si procediera de algún lugar de la pantalla. Artemiev a través del uso de la música crea sensación de espacio y de un paisaje musical.
La música electrónica posee en su interior un gran poder para poder manipular las propiedades perceptuales de los sonidos y juega con la línea divisoria entre efectos sonoros y música. En el caso de Solaris la efectividad del uso de la música electrónica en la banda sonora no es tanto una cuestión de musicalidad sino de efectividad estructural y temática con la película.
Otro elemento importante de la película y que condiciona definitivamente el sonido de la película es el silencio. De hecho la narrativa cinematográfica necesita muy poco para funcionar y mantener el interés del público, por lo que nada o casi nada es imprescindible en el film, incluida la música. Artemiev parte de este elemento para componer la música de la película, para que esta se deslice a través de los silencios de la base espacial.

T-Yusov-Banionis

 Solaris, la película
Solaris esta basada en la novela homónima de Stanislav Lem publicada en 1961. En la novela el protagonista es Kris Kelvin. Llega a la estación Solaris para evaluar la situación de la estación y para sustituir y a uno de sus tres ocupantes y averiguar en qué circunstancias ha muerto. Allí, descubrirá que los dos miembros del equipo que sobreviven se encuentran al borde de la locura, y que en la estación hay otras extrañas presencias, fantasmas convertidos en carne y hueso de los que no se puede huir. Pero el principal protagonista es el propio planeta, Solaris, un mundo cubierto por un inmenso océano de una extraña sustancia, con no menos extrañas propiedades, que parece ser un único organismo vivo y sentiente. El océano será el creador de las presencias no humanas dentro de la base de exploración.
Sin embargo en la película, Tarkovski, aun siguiendo la línea principal de la historia planteada por Lem, la utiliza con otras motivaciones, se desliga de la novela y la utiliza como pretexto, tanto el relato de Lem como el género de ciencia ficción, para ilustrar el viaje interior del hombre. Mientras que la novela trata sobre un posible contacto con la razón cósmica, la película es sobre la Tierra, sobre las cosas terrenales.
Un aspecto importante de la filmografía de Tarkovski, y que vemos en esta película, es la importancia de los recuerdos de los personajes creados por el autor,”casi siempre relacionados con el hogar donde a transcurrido su niñez”2. El film explora las maquinaciones mentales de Kelvin y el cómo se enfrenta a visiones provenientes de su pasado. El director recurre a un tiempo futuro como excusa para redescubrir ese pasado y así poder descubrir a través del recuerdo las raíces del personaje que le ayudará a descubrirse a si mismo. De ahí el final de la película en la que aparece la casa de Kelvin, y el arrodillado ante su padre, sobre el Océano:
“Contemplamos esa misma casa al comienzo del filme, tras unos planos iniciales de algas y del estanque próximo a aquélla, lo que da cierta estructura circular a la película y al tiempo anticipa las imágenes finales”3
Dicho carácter circular del relato se ve acentuado por el Preludio en fa menor de Bach que suena al principio de los títulos de crédito del inicio de la primera parte de la película, y que vuelve a aparecer anunciando el final de la película.
En la película se nos comunica un ambiente4 que conjuga el sueño con la realidad y este con el recuerdo a través de dos elementos; por un lado, los cambios de tono en la fotografía, la utilización del blanco y negro o el color en función de lo que el director quiera expresar; y por otro, el empleo de música electrónica, con la inclusión en la banda sonora de diversos efectos y ruidos5. Ambos elementos utilizados para la mostrar la fusión de los sueños y de la realidad.

La música en el cine según Tarkovski.

“En el fondo yo tiendo a pensar
que el mundo ya suena de por si muy bien
y que el cine en realidad no necesita música,
con tal de que aprendamos a oírlo bien”
Andrei Tarkovski – Esculpir en el tiempo.

Tarkovski pretende que la música en el cine no tan solo refuerce e ilustre el contenido de la imagen, lo que pretende es que apoyándose en esta, la imagen tenga sobre el espectador una impresión diferente a la que haya podido tener con el mismo material cinematográfico. Para ello lo compara con un estribillo poético:
“A mí lo que más me convence es un método en que la música surja casi como un estribillo poético. Si en una poesía nos encontramos con un estribillo, entonces, enriquecidos por la información que acabamos de leer, retornamos a aquel punto de partida que inspiró al autor a escribir aquellos versos. El estribillo hace que en nosotros renazca aquel estado originario con el que nosotros entramos en ese mundo poético de nuevo. Y a la vez hace que lo revivamos de nuevo, y además de forma inmediata. Podríamos decir que retornamos a las fuentes.”6
El estribillo hace referencia a la introducción del elemento musical que modificara al conjunto de la imagen visual. Tarkovski esta interesado en la posibilidad de que esa música, y las resonancias que esta provoca surjan de la experiencia propia del autor7.
Hay otro aspecto de la música, y por extensión a los ruidos, al que Tarkovski le da importancia es el del dirigismo emocional, es decir, un determinado sonido, efecto sonoro o música combinada con la imagen puede infundir en el espectador una serie de sentimientos respecto a lo que esta viendo. Dependiendo del sonido aplicado a la imagen cinematográfica se puede aumentar o disminuir la relación del espectador con la imagen. Este aspecto consiste en modificar el sentido del objeto, retrata de añadir un nuevo aspecto a la imagen.
Pero para Tarkovski la música ha de ser un elemento natural del mundo sonoro de la película. Con lo cual se puede dar la paradoja que la película no necesite música y que solo se “defienda”, en términos de sonido, con los elementos sonoros internos a de la propia imagen. Es decir que probablemente haya que prescindir conscientemente de la música y esta sustituida por ruidos:

“Viendo las cosas desde un punto de vista estricto, el mundo transformado fílmicamente y el musicalmente elaborado son dos mundos paralelos, en conflicto. Un mundo sonoro organizado de forma adecuada es, por esencia, un mundo musical y como tal un mundo profundamente cinematográfico.”8
Esto implica una selección sonora en el espacio audiovisual por dos motivos: el primero para evitar lo que seria un conglomerado sonoro que por redundancia en el sonido una película sonora se equipararía a una muda, y dos, para poder desarrollar cualquier expresividad sonora propia.
En cuanto a la elección de música electrónica por parte del director se debe a la facilidad que hay de integrarla al mundo sonoro de la película.
“La música electrónica muere desde el momento en que se comprende que es electrónica, desde que se descifra su construcción. Artemiev hubo de pasar por complejísimos procesos para alcanzar el sonido que buscaba. La música electrónica debe desprenderse de sus orígenes <<de laboratorio>>, para que pueda ser percibida como una sonoridad orgánica del mundo. Tiene la capacidad de disolverse dentro del sonido, de esconderse detrás de otros ruidos, de ser la voz indefinida de la naturaleza o la de los sentimientos confusos, de ser como una respiración”9
La prefiere a la instrumental, ya que considera a esta como un arte independiente y como consecuencia más difícil de integrar a un texto fílmico. Por eso opta por la música electrónica ya que los procesos a través de los cuales esta se elabora permite hacerla desaparecer cuando se empieza a percibir:
“…, la música electrónica se puede perder en el mundo sonoro de una película, esconderse detrás de otros sonidos, parecer algo indeterminado; puede parecer la voz de la naturaleza, la articulación de los sentimientos, puede asemejarse también al respirar de una persona. Lo que quiero destacar es la indeterminación. El tono sonoro debe mantenerse en una indecisión, cuando lo que se oye puede ser música o una voz o solo el viento”.10
En la obra de Tarkovski la música se sitúa entre dos extremos. En un lado nos encontramos el préstamo de una pieza musical preconcebida como una cita asumida como tal. En este punto nos encontramos Preludio Coral en fa menor de Bach, utilizada en Solaris, que suena tres veces en toda su extensión a lo largo de la película. En el otro lado nos encontramos el uso de sonidos de electrónicos de Artemiev, esta música se presenta como fundida en el continuo natural de la película del que, por cierto, apenas brota, sin intervalo, sin fraseado musical, ni puntuaciones ni música de acompañamiento.

Solaris2

Eduard Artemiev.

“El sintetizador es un instrumento psicoanalítico,
es un instrumento freudiano”
Ralf Hütter (Kraftwerk)

Eduard Artemiev está considerado como uno de los padres de la música electrónica rusa, también ha estado ligado a la experimentación sonora. De formación académica clásica, esta la realizó en el conservatorio de Moscú, más en concreto realizo los estudios de composición teniendo como profesor a Yuri Shaporin11. Desarrolla gran parte de su carrera como músico durante los años 60 y principios de los 70, explorando nuevos sonidos con un sintetizador ANS12. Durante esa época publica Mosaic (1967) y Twelve glimpses on the world of sound (1969).
Durante este periodo su búsqueda se centra en la creación de un mundo sonoro diferente, otro color del sonido y un timbre nuevo. En definitiva lo que busca es una nueva paleta de sonidos para poder llevar su música a nuevos lugares. El trabajo de Artemiev en ese momento se caracteriza por: acústicas peculiares, duración ilimitada de las piezas y abundancia en el timbre. El uso de sintetizadores supone para el una nueva forma de componer: colorear el sonido, esculpirlo, doblarlo o colorearlo y sobre todo trabajar la duración.

En los 70 su búsqueda se centrara en la simplicidad del discurso musical intentando asimilar nuevos estilos y géneros.
Para el cine a trabajado en más de un centenar de películas, tocando todo tipo de temáticas y géneros. Pero no siempre ha trabajado con elementos electrónicos, también a compuesto piezas para instrumentos acústicos y orquestas. Si bien su primer trabajo importante como compositor de bandas sonoras fue Solaris, ya tenía a sus espaldas otros trabajos en el mundo del cine. También ha trabajado con directores como Nikita Mikhailkov en Siberiada (1979) o Urga (1991) y Andrei Konchalovski en Homer y Eddie (1989).
Aunque la primera opción para Solaris fue Vyacheslav Ovchínnikov13, Tarkovski acabo delegando la labor musical en Artemiev. El músico ya había mostrado parte de su trabajo al director y le había propuesto al realizador que filmara imágenes para poder ilustrar sus piezas musicales. Lo que Tarkovski buscaba en el compositor era un organizador de los sonidos naturales. Su labor consistiría, según el propio Artemiev en:

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La música y los sonidos de Solaris
Sonoramente hablando el principal protagonista de Solaris es el silencio. Este domina gran parte del metraje de la película. Del silencio surgirán los elementos sonoros necesarios para la película. Esto se debe a la concepción que tiene del sonido el director del film, los sonidos serán aquellos que reclama la misma cinta, utiliza aquellos elementos que son inherentes a la misma. Utiliza tanto el silencio como los ruidos como un elemento narrativo que ayuda a Solaris a despojarse del referente del drama.
El ingeniero de sonido de la película es un colaborador habitual de Artemiev. El seleccionaba los sonidos y el músico componía. El trabajo importante, por ejemplo el sonido del agua, por que a diferencia del Océano que carece de sonido natural propio y siempre va acompañado de una pieza de Artemiev o del Preludio en fa menor de Bach, el agua que corre tiene su propio sonido, la vemos al principio de la película y al final (en este caso sin sonido propio). Nos ayuda en estos dos casos a introducir una secuencia y a darle circularidad narrativa a la película. La base espacial es un no lugar, que juega con el silencio y con los ruidos naturales de la misma también juega con los decorados fríos creados por Mijail Romadin. Los pitidos de las maquinas siempre están presentes, también nos encontramos con crepitar de las luces, sonidos hidráulicos o las pisadas metálicas de los personajes. La música compuesta por Arte mayoría de la veces inaudible, aparece y desaparece, normalmente desaparece cuando empieza a ser audible. A veces esta se combina de manera sutil con elementos sonoros de la escena. Como en la escena del ventilador del principio de la segunda parte de la película. En esta escena empiezan a sonar las tiras de papel antes que la música, luego se incorpora y desciende al desaparece el sonido del papel y queda la música.

Preludio coral en fa menor

Bach era el músico favorito de Tarkovski. Para él el músico alemán pertenecía a otro mundo. La obra escogida para la película está hecha de sonidos que no son de este mundo que viven en lo absoluto.

“El sereno misterio de los sonidos del órgano de Bach reaparecerá cuando las experiencias que aguardan a los cosmonautas en el entorno de Solaris les impulsen a pensar en la Tierra. En los espacios habitados por aparatos, aquinas y computadoras, esos sonidos tan abstractos y lejanos lograran evocarles el misterio y la solemne sencillez de la vida de los hombres sobre la tierra. El espectador siente muy fácilmente la nostalgia de la tierra, al revivir, nautas. Aquellas impresiones familiares humildes y bellas que le produjo la observación de un rinconcito cualquiera de tierra al comienzo del film”17

Cuando Tarkovski encargo a Artemiev la música para Solaris, el director ya tenía en mente insertar unas piezas de Bach en la banda sonora. Bach era el compositor favorito del director18. La utilización del Preludio coral en fa menor es la elegida para asumir el rol de crear una atmósfera mágica y solemne.

Esta composición es utilizada en títulos de crédito, en algunos fragmentos de imágenes del Océano, la escena titulada hoguerabastantes momentos de la película: En lo
19(una escena documental sobre el pasado de Kris), la escena de la ingravidez (de la segunda parte de la película), o el preludio al final de la película con las secuencias de algas. (igual a la del principio de la película)

El sonido del agua

Hay una secuencia en la que el agua tanto a nivel visual como sonoro nos ayuda a hacer una transición, desde el delirio de Kelvin al momento en que Snaut le va a hacer una visita y a comunicarle que Hary se ha ido. Esta secuencia pertenece a la segunda parte de la película. (De 1:10:09 a 1:11:36). La mostración visual del agua vuelve a dar circularidad a la película el sonido aparece conesta y vuelve a desaparecer tras su aparición.

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Túnel infinito de la carretera del futuro

En esta escena de la primera parte de la película vemos como Berton realiza un viaje del b/n al color, o lo que es lo mismo abandona el estado de pesadilla que le produce el asunto Solaris a los asuntos terrenales. En este fragmento vemos como la música surge del murmullo que produce el tráfico rodado en la autopista. La música aparece y desaparece se hace presente por momentos en una secuencia que dura poco menos de 5 minutos (del 31:49 a música se va haciendo más presente a meque se acerca el final de la secuencia.

Captura de pantalla 2016-04-13 a las 0.30.41

Este fragmento de película que he titulado “Túnel infinito de la carretera del futuro” :

“…el compositor y el director consiguen que los sonidos surjan como un eco de la Tierra, algo parecido a un rumor a los suspiros emitidos por el planeta…. Para este viaje en coche, filmado en Japón y tratado de manera abstracta, como un verdadero trayecto por el espacio interestelar, Artemiev supo crear un vasto sonido de movimiento, indistinto en principio, como el fragor de una circulación idéntica e ininterrumpida. Después de este sonido total emergen vagos embriones sonoros flotantes, seres diferenciados y formados atrapados en el continuo de una rotación infinita, seres que vuelan ante los límites de lo informe, en un campo fascinante.”20

Resurrección de Hary

En esta secuencia de la segunda parte de la película (del minuto 52:49 al 59:51). Esta secuencia vemos como Hary se ha suicidado con oxigeno liquido. En esta secuencia cambia el sonido de la base espacial, hasta ahora puramente neutro, ha una música cortante, fría (como el oxigeno liquido) y por momentos metálica. Este es momento especial de la película, el de las certezas, todas ellas muy dolorosas para el protagonista, Hary se va humanizando y, paradójicamente comprende que no es humana (por eso se suicida), Kris Kelvin ratifica su enamoramiento a pesar de saber que ella no es humana y Snaut le dice que las “apariciones” no pueden vivir fuera de la estación. La música como una parte más del relato.

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Conclusión

A la hora de abordar una película como Solaris uno se encuentra ante una película excepcional a todos los niveles. La historia, la forma de dirigir y sobre todo el sonido. El espectador no es consciente del momento que entra la música en juego y tampoco en que momento preciso “sale de escena”.
Solaris es un ejemplo sobre la concepción sonora de Andrei Tarkovski para el cine. Para el la música y los sonidos han de estar cuando son necesarios, cuando lo que se nos muestra a través de la pantalla reclama un sonido para expresarse.
Lo mismo pasa con el silencio, la película en su mayoría silenciosa da paso al sonido, pero nunca se está seguro a qué nivel operan los sonidos creados por el compositor. Juegan en muchos momentos de la película a nivel subliminal, condicionando emocionalmente al espectador.
Artemiev trabaja no solo a las órdenes del director, lo cual parece raro en un director que tiene tan clara la concepción de la música en el cine, el pone parte de su trabajo en la película. Su trabajo consiste en hacer presente el silencio, el vacío y la insoportable asepsia de la base espacial.
El resultado final de la música de la película es rotundo responde totalmente a las imágenes propuestas por el director. Todas las piezas compuestas por Artemiev brillan por no brillar, por no ponerse por encima de las imágenes y taparlas, sino por lo contrario, resaltarlas.

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NOTAS

1 El uso de la música electrónica por parte de Artemiev está más cerca de Forbiden Planet que de películas actuales como El club de la lucha.

2 Esculpir en el tiempo : reflexiones sobre el arte, la estética y la poética del cine / Andrei Tarkovski
Madrid: Rialp, 1991. Pág.16.
3 Ibíd.

4 En la creación de este ambiente juega una parte importante la puesta en escena que conjuga a partes iguales lo poético y lo fantástico.
5 Ambos elementos fundamentales de la estética de Tarkovski.

6 Esculpir en el tiempo : reflexiones sobre el arte, la estética y la poética del cine / Andrei Tarkovski
Madrid: Rialp, 1991. Pág.186.
7 Esto sucede en El espejo película autobiográfica de Tarkovski en la que la música y los sonidos están tomados de su propia vida, en este caso servirá como elemento importante a la hora de configurar al personaje.

8 Esculpir en el tiempo : reflexiones sobre el arte, la estética y la poética del cine / Andrei Tarkovski
Madrid: Rialp, 1991. Pág.187.
9 Ibíd. Pág. 188.
10 Ibíd. Pág. 189.

12 El único modelo de sintetizador que en los años 70 existía en la antigua URRS. Creado por A. Murzin, amigo de Artemiev y el que lo introdujo en la música electrónica.
13 Compositor ruso que colaboro con Tarkovski en La infancia de Iván (1962) y Andrei Rublev (1969).

14 Del texto “Permanecerá siempre en mi recuerdo como un creador…” de Eduard Artemiev. De Acerca de Andrei Tarkovski / Erland Josephson ; editor Javier Rodríguez ;Madrid : Ediciones Jaguar, D.L. 2001 Pag. 160.
15 La colaboración entre Artemiev y Tarkovski se Prolongo a tres películas. Solaris (1972), El Espejo (1974) y Stalker (1979)
16 El director ni siquiera iba las grabaciones de las bandas sonoras.

17 Andrei Tarkovski: vida y obra/ Rafael Llano. Institut valencià de cinematografía Ricardo Muñoz Suay. Valencia, 2003.Pág. 317.
18 Del texto “Permanecerá siempre en mi recuerdo como un creador…” de Eduard Artemiev. De Acerca de Andrei Tarkovski / Erland Josephson ; editor Javier Rodríguez ;Madrid : Ediciones Jaguar, D.L. 2001 Pág. 163.
19 Tal y como se titula en la edición en DVD editada por Trackmedia. Barcelona, 2006.

20 La música en el cine/ Michel Chion. Paidós. Barcelona, 1997.Pág. 394

21 Del texto “Permanecerá siempre en mi recuerdo como un creador…” de Eduard Artemiev. De Acerca de Andrei Tarkovski / Erland Josephson ; editor Javier Rodríguez ;Madrid : Ediciones Jaguar, D.L. 2001 Pág. 164.

Bibliografía

– Esculpir en el tiempo: reflexiones sobre el arte, la estética y la poética del cine / Andrei Tarkovski. Madrid: Rialp, 1991
– Loops, un historia de la música electrónica. Javier Blanquez y Omar Morera.
Reservoir books. Mondadori Barcelona, 2005.
– Acerca de Andrei Tarkovski / Erland Josephson, [et. al.] ; [editor Javier Rodríguez ; prólogo Quim Casas] Madrid : Ediciones Jaguar, D.L. 2001
– Il fuoco, l’acqua, l’ombra : Andrei Tarkovskij, il cinema fra poesia e profezia / A cura di Paolo Zamperini. Firenze La Casa Usher, 1989
– La música en el cine/ Michel Chion. Paidós. Barcelona, 1997.
– Andrei Tarkovski: vida y obra/ Rafael Llano. Institut valencià de cinematografía Ricardo Muñoz Suay. Valencia, 2003.
Filmografia.-
– Solaris (Película : 1972) Solaris [Vídeo] / Andrei Tarkovski. Barcelona: TrackMedia, 2006
– El espejo (Película: 1975) El espejo [Vídeo] = Zerkalo / Andrei Tarkovski. Madrid : Trackmedia, 2006
– Stalker (Pelicula: 1979) Stalker [Vídeo] / Andrei Tarkovski. Barcelona: TrackMedia, 2006
Discografía.-
– Solaris, The mirror, Stalker. Eduard Artemiev. Electroshock Records ELCD 012. 1989.
Se incorpora una copia del CD al trabajo como anexo del mismo. No son las grabaciones originales. Es una regrabación de los temas realizada en los 80.
Listado de temas del CD: 1. Stalker – Them; 2. Stalker – Train;3. Solaris – Ill; 4. Solaris – Station; 5. Solaris – Listen To Bach (The Earth); 6. Mirror – Exodus;7. Stalker – They Go Long; 8. Solaris – Dream; 9. Stalker – Meditation; 10. Solaris – Ocean; 11. Solaris – Picture P. Brueghel “Winter”; 12. Solaris – Return; 13. Dedication To Andrei Tarkovsky.
Web.-
http://www.electroshock.ru/eng/edward/.

La memoria obstinada. El cine documental de Patricio Guzmán y la revolución chilena de Salvador Allende por María Noelia Ibañez*


Salvador Allende
Salvador Allende

Introducción
A mediados de los años sesenta Chile comienza a experimentar sus propias características de la revolución, palabra que en acciones se redoblará en Latinoamérica luego de la experiencia de la Revolución Cubana. A través de la Unidad Popular, Salvador Allende llegará al gobierno en 1971 y será derrocado por un golpe cívico-militar en 1973. La experiencia chilena, caracterizada como “la vía chilena al socialismo” por ser una búsqueda pacífica de cambios radicales en todos los aspectos de la sociedad, ha sido la columna vertebral en la obra del cineasta chileno Patricio guzmán. Consideramos muy importante para la comprensión del proceso único vivido en Chile el análisis del mismo en función de lo que el cine de lo real (documental) nos muestra desde la crítica lente del cineasta Guzmán y su obra enfatizada en la búsqueda de las voces del pueblo.
La construcción de la Unidad Popular como una conjunción de las distintas vertientes de izquierda, se forja en Chile como resultado de una larga y continua experiencia de los partidos Socialista, Comunista y otros sectores afines, que convivieron en los espacios políticos del país trasandino desde el siglo XIX. Chile presenta esa característica y otras que la hacen muy particular dentro del entramado político social de mediados de los años cincuenta con la movilización causada por la Revolución Cubana. Pero no solamente es bajo aquel contexto que Chile interpreta al modo de su pueblo las posibilidades reales de una lucha revolucionaria. Sólo por dar un ejemplo, diremos que en 1932 un golpe militar socialista toma por diez días el poder, al mando de Marmaduke Grove1, quien se convertiría en un héroe para la izquierda de ese país, en lo que se llamó la “República socialista”.2 La izquierda chilena siempre se había constituido como una alternativa electoral o había formado parte de los Frentes Populares, como lo hizo en 1964 cuando el radical Aguirre Cerda llegó a la presidencia y Salvador Allende formó parte de su gabinete como Ministro de Salud.

Las dos grandes vertientes historiográficas con respecto al sentido que tuvo la Unidad Popular, su construcción, su gobierno y su derrota, se centran principalmente por un lado en las posturas que colocan el eje de observación en las problemáticas internas de la Unidad, entre las fuerzas que la conformaron y la relación con los militares. Por otro lado, se ubica la cuestión en relación al papel jugado por Estados Unidos en connivencia con la derecha chilena. Como hipótesis general creemos que estas dos vertientes están claramente expuestas en el documental “La batalla de Chile”, muchos años antes de que la historiografía se ocupase del período 1970-1973; con las características propias que veremos más adelante. “La memoria obstinada” es un documental que puede leerse en clave de continuidad con La batalla… filmado en 1997 por Guzmán a su regreso a Santiago, constituyendo así una búsqueda interior a través de los restos de la historia. En el documental “Salvador Allende” realizado en 2004, Guzmán emprende una relectura de un pasado que le pertenece, del que fue parte, a través de una búsqueda biográfica de la figura del presidente que le dio vida a la Vía chilena al socialismo en un contexto latinoamericano donde la lucha armada parecía ser la alternativa más viable para combatir al capitalismo y al imperialismo. Trataremos en este intento de análisis histórico estos dos documentales del director Guzmán, el primero de los cuales se halla fragmentado en tres partes y fueron filmados en el mismo momento en que el proceso histórico político, social y cultural que muestra, está sucediendo. Es decir que en “La batalla de Chile” tiene primacía la “cámara real”, el pueblo, las voces de la lucha de clases, que como subtitula Guzmán es la “lucha de un pueblo sin armas”, título con el que Marta Harnecker3 (quien colaboró en el guión del documental) analiza el proceso de la vía al socialismo.

Presidente Salvador Allende el 11 de Septiembre de 1073 - Foto 5 (Completa) (2)
Presidente Salvador Allende el 11 de Septiembre de 1973

La batalla de Chile
“Durante muchos años yo no sabía lo que era La Batalla de Chile. Incluso mientras la hacía, pensaba que no le iba a gustar a nadie, que era sólo para estudiosos, para iniciados. No tenía idea de qué valor universal podía tener.”4
En la primera parte de “La batalla de Chile”, La insurrección de la burguesía, Guzmán nos muestra cómo la oposición al gobierno de la Unidad Popular emprende su lucha burguesa contra el poder popular. El director, además de mostrarnos los hechos en el momento en que estaban ocurriendo, recurre a entrevistas diversas con la gente en la calle. Las manifestaciones de la oposición se hacen presentes en el período de mayor conflicto interno de la Unidad Popular y del gobierno con los demócratas cristianos particularmente. En 1973 el boicot económico y financiero al gobierno es un hecho consumado que Guzmán registra a partir de las voces de los trabajadores, la clase media y los protagonistas directos, como los discursos pronunciados por Allende y por los diputados de la oposición. La necesidad de diálogo con la Democracia Cristiana se había diluido en el marco de las negativas que la oposición, acompañada por Estados Unidos, sostenía cada vez con mayor firmeza. La batalla política que implica las posiciones inmóviles de la oposición son registradas por Guzmán con minuciosa intencionalidad de mostrar un mapa completo de la situación, sin resistirse a dejar de lado ninguna imagen que pudiese ocultar las intenciones de la sociedad en general. La derecha organiza huelgas y allana el camino para la restricción y falta de alimentos, así como divide a la clase trabajadora, poniendo al gremio del transporte en contra del gobierno, facilitando de este modo el bloqueo económico.5
Guzmán pone en juego la dialéctica entre el pueblo que lucha desde abajo por sostener un gobierno que le pertenece, cuya identidad le es propia, y la lucha de la derecha por romper esa identidad, marginar que la clase trabajadora consiguió con la construcción de la Unidad. La confrontación de clases se muestra en vivo y en directo, no es necesario darle carácter de ficción a lo que es, lo que está siendo un proceso presente que a lo largo de los años se convertiría en un documento por su valioso aporte a la historia chilena. El manejo de los primeros planos de los rostros acompañan las diversas opiniones sobre la situación del país. La llamada estrategia de masas de la derecha, se encuentra expresada en los rostros “desencajados” de los manifestantes que denominan a Allende y su gobierno como “repugnantes anticomunistas que deben irse del país”, retratados por Guzmán en una de las vertiginosas manifestaciones de la lucha antipopular de la derecha chilena. A partir del paro de octubre de 1972 donde la derecha inclinó a sectores trabajadores hacia una lucha contra el mismo gobierno que estos apoyaban, la organización clandestina Patria y Libertad comienza a accionar a través de actos terroristas y en la organización de fuerzas paramilitares de choque6. Con la destreza de un documentalista inmerso en los acontecimientos, Guzmán expresa la coyuntura, porque no es su cámara quien lo hace sino la sociedad misma quien se manifiesta ante ella sin reparos. Es el propio director quien narra y permite la narración directa de los protagonistas: la lucha de clases, Allende, los miembros de la Democracia Cristiana, los trabajadores de la CUT (Central Única de Trabajadores). Los testimonios manifiestan lo que quiere decirnos Guzmán, cumplirán con los años, la función de la memoria y el testimonio, dos conceptos tan complejos como necesarios para analizar la historia. Podemos ejemplificar lo expresado, en una escena donde Guzmán entra a un departamento de clase alta, solicitando hacer una encuesta para el plebiscito que busca derrocar a Allende con la unidad de la derecha a través de la Democracia Cristiana. Una mujer joven le dice que votará a favor del candidato de la derecha para que vuelva la democracia al país, mientras Guzmán hace un paneo general donde se observan las condiciones materiales de vida de la familia que habita la casa y el plano general abierto desde la ventana donde se demuestra que es un barrio residencial de Santiago. Los manifestantes reunidos en la plaza, la tarde de las elecciones, convencidos de su triunfo se declaran a favor de la salida democrática y la necesidad de que Allende se fuera del país para derrotar al marxismo. Ya habían comenzado su propia lucha desde el accionar económico político que conducía al desabastecimiento de alimentos.

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Dicha situación, agravada por el mercado negro con que especula la derecha, es lo que Guzmán comienza a narrar y a escuchar a partir de la voz del pueblo que va a buscar los alimentos racionados y se mantienen firmes acompañando a la Unidad Popular. Esa firmeza es transparentada por el director a través del diálogo directo y la cámara buscando continuamente la expresión de los rostros, los gestos y los planos generales que nos ubican en el contexto. De esta manera Guzmán registra la percepción contemporánea de la realidad desde todos los puntos de vista, lo cual implica la mirada del registro documental con la mayor amplitud posible. Es decir, “la percepción total, objetiva” que encarna la percepción de lo real7.
En la segunda parte, “El golpe de Estado”, se muestra cómo a mediados de marzo la lucha de clases se agudiza, entre aquel mes y septiembre de 1973 el boicot económico provocado por la derecha agrava los problemas sociales que Allende intenta enfrentar cambiando el gabinete por completo, colocando en algunos ministerios a militares llamados “constitucionalistas” y bregando por la no utilización de lucha armada en ningún momento para no desatar la sangre derramada entre hermanos8 Una situación insostenible que, por una parte tiene como protagonistas a los trabajadores retratados por Patricio Guzmán en sus reuniones y debates internos en torno al qué hacer ante la situación. Se plantean diversas discusiones que el director toma sin intervención, más allá del relato casi cronológico de los acontecimientos. La voz viva y directa de los obreros de las fábricas, las voces de la clase media y altas opositoras y de los militantes va relatando (sin intención de hacerlo) el proceso histórico que llevó al golpe de estado de 1973. El valor documental de estos hechos, por lo tanto, radica en la contundencia con que está expuesta la realidad, a modo de una ficción guiñada pero que sabemos conscientemente que es una realidad captada en directo. La cámara se mueve según la implicancia más fuerte o más significativa de las palabras y los gestos. Aunque conozcamos el final de la historia, el hilo conductor narrativo comprende una situación de espera intrigante acerca de lo que va a sucedes, guiada por la voz del propio director pero cuya narración es llevada adelante por los protagonistas, o, al menos por buena parte de ellos. “Ellos” precisamente constituyen sujetos colectivos, que presentan mayor importancia que los sujetos individuales, tanto en lo referido a la masa popular que busca sostener al gobierno de Allende como a quienes buscan derrocarlo.
“Los derechos humanos no podemos reducirlos a los asesinatos, está claro que debemos exigir “verdad y justicia”, pero también debemos reclamar nuestros derechos económicos, sociales y políticos. Debemos exigir nuestro derecho a un salario digno, a educación de calidad, salud digna, viviendas adecuadas. Todos estos derechos estaban medianamente garantizados antes de la llegada de la dictadura, de hecho la principal tarea de la dictadura fue abolirlos y convertirlos en una mercancía más del mercado”.9 El contenido de estas palabras que Guzmán escribe para el artículo citado, es lo que se re-descubre en La Batalla de Chile, especialmente en esta segunda parte que analizamos, cuando bajo el sonido de un helicóptero la cámara se focaliza en los días de junio de 1973: un fallido intento de golpe de estado donde los tanques deben iniciar la retirada merced a la postura constitucionalista de una parte de las Fuerzas Armadas, entre los cuales se encuentra Augusto Pinochet. Los ecos masivos del cántico “crear poder popular” y “Allende Allende” el pueblo se manifiesta en medio de las balaceras y los disturbios. Las imágenes del pueblo en la calle confrontan con las imágenes de “La insurrección de la burguesía” en que las clases dominantes son tomadas en sus autos y departamentos de lujos, detallando con la cámara sus vestimentas, sus alhajas y sus posturas físicas.
En la tercera parte “El poder popular”, Guzmán recorre con intenso realismo la acción colectiva de los militantes de la Unidad Popular y de los sectores de la población que apoyan la llegada de Allende a la presidencia. El director emprende la narración contando cómo para 1972 el programa propuesto por la Unidad Popular ha sido cumplido casi en su totalidad, por ejemplo, la estatización de la minería, de los bancos, el proceso de reforma agraria, etc. El presidente Allende, a pesar del gran apoyo de la sociedad, es víctima de la intolerancia de la derecha y de la alerta de estados Unidos por un gobierno “marxista” en el Cono Sur de América Latina. Guzmán vuelve a reflejar a través de los discursos de los empresarios y algunos sindicatos que han sido captados por estos, el trabajo de boicot económico y paros que organiza la derecha para quebrar al gobierno. A partir de la huelga patronal de octubre de 1972 el documental reconstruye el proceso de organización del pueblo que busca redefinir sus posiciones frente a la debilidad que parece mostrar el gobierno. Guzmán no intenta reconstruir las divergencias internas de la Unidad Popular entre los partidos que la componen pero pone de manifiesto a través de las voces de los trabajadores un conflicto que empieza a ser cada vez más fuerte: cómo controlar los manejos de la derecha en medio de una lucha pacífica. Se pone en cuestión al idea de la lucha armada a través del MIR e incluso desde los cordones industriales de obreros, idea a la que Allende se opone contundentemente10. Guzmán explica cómo se organizan los Comandos Comunales, y toma entrevistas en diferentes barrios para que los proletarios (como a sí mismos se llaman) cuenten lo que significan dichos comandos para acompañar orgánicamente al gobierno. Ellos discuten y confieren identidad a sus comandos, a la hora de atravesar los problemas de desabastecimientos que afectan la alimentación y la salud. Confieren al comando comunal una institución anti burguesa en la cual se manifiesta la construcción que lleve a los trabajadores al poder. Esencialmente este es el eje de que aborda Guzmán en la tercera parte de La Batalla de Chile. Patricio Guzmán internaliza el mundo de los otros, desde el momento en que esos “otros” no sino los mismos que él, está involucrado. El involucrarse conlleva involucrarse con los protagonistas sociales, de modo que la realidad interpela tanto al autor del documental como a los participantes11.

Jorge Müller y Patricio Guzmán en rodaje de "La batalla de Chile"
Jorge Müller y Patricio Guzmán en rodaje de “La batalla de Chile”

La memoria obstinada
En La memoria obstinada, Patricio Guzmán realiza un enfoque retrospectivo como protagonista de los hechos. Luego de veintitrés años regresa con un compañero a La Moneda y a todos los espacios donde los hechos ocurrieron. La mayor expresividad del documental radica en la memoria, el testimonio y el recuerdo de los compañeros asesinados y desaparecidos. Juan, quien lo acompaña, es uno de los personajes anónimos (como relata el propio director) que había participado en La batalla de Chile. Mientras Guzmán narra las imposibilidades de mostrar sus anteriores documentales en Chile, la cámara acompaña a Juan en su recorrido por La Moneda hacia el balcón por donde hablaba Salvador Allende al pueblo. En el documental se van encontrando fragmentos de entrevistas que intentan captar en un flashback de imágenes y voces, lo que la memoria dice, el sentido de los recuerdos. La importancia de la memoria histórica y política aparece como un sujeto vivo que busca revisar lo que la realidad expresó en La Batalla de Chile. Pero la diferencia es que ahora hablan los ausentes, las fotos, los recuerdos de los compañeros, de los militantes, de aquellos cánticos que en La Batalla… mostraban un presente real y palpable, en La memoria obstinada regresan en el silencio de una lucha sin armas que apela contantemente a la memoria sentimental, nostálgica, como basamento de la necesidad de justicia. La música que alimenta las entrevistas y las imágenes ya no es la del pueblo sino el piano doloroso de Beethoven. Sin embargo, una banda de jóvenes tocan en el centro de Santiago el Himno de la Unidad Popular, mientras recorren sus calles como espejo de la fiesta que significó el triunfo de Allende12.
La memoria obstinada recurre al presente abonando los recuerdos del pasado con una clara intención de dar a conocer lo que sucedió en el período chileno entre 1970 y 1973 a jóvenes que crecieron bajo la dictadura y que desconocen lo que fue el gobierno de la Unidad Popular, sus significados políticos, culturales y sociales. Guzmán narra en el documental cómo proyecta La batalla… para que estos jóvenes tengan una visión de la realidad más cercana a la que les enseñaron o heredaron del pinochetismo. Las imágenes que proyecta para los jóvenes también contienen extractos de documentales extranjeros, lo cual utiliza para confirmar lo hechos que él mismo ha narrado, de manera que resulten aun más creíbles para aquellos que no pueden creer la existencia de asesinatos y campos de concentración. Los jóvenes se convierten en portavoces de sus propios desconocimientos y develan con naturalidad lo que esta nueva visión les genera, comparten con el director sus diferencias, declaran haberse equivocado en cuanto a lo que pensaban y otros mantienen su postura. Todo ello implica demostrarles, más allá de los documentales, el hecho de la posibilidad de poder discernir que solamente otorga la democracia.
Guzmán regresa mediante símbolos al pasado que fue registrando en La batalla… por ejemplo, cuando filma la preparación de carabineros en el Estadio Nacional de Chile y su entrada al mismo para seguridad de un partido de fútbol. Entre los entrevistados, protagonistas de los sucesos, también se encuentra la esposa de Allende y el único familiar sobreviviente que tiene el director, su tío de unos ochenta años. La recurrencia a lo emotivo es uno de los ejes que podrían ponerse en discusión con respecto a la memoria y la historia, sin embargo la subjetividad del director como protagonista no es motivo suficiente como para no recorrer el documental con una mirada analítica seriamente enfocada.


Salvador Allende
“Esto es casi todo lo que queda de Salvador Allende…” narra la voz de Guzmán mientras el objetivo de la cámara se fija en la banda presidencial, una billetera, un reloj, el carnet del Partido Socialista. En este documental el director ofrece un recorrido por la vida del ex presidente chileno. “Salvador Allende marcó mi vida” (expresa Guzmán) y se evoca protagonista una vez más, argumentando que el pasado no pasa, que ha regresado y se ha detenido en el tiempo. El recuerdo, también a modo del flashback tan utilizado por el autor, enlaza el presente con el pasado, entrevistando a las personas más cercanas a Allende, sus colaboradores y algunas personas que fueron miembros de sus gabinetes. El documental sobre Allende no se distancia demasiado de La memoria obstinada desde el punto de vista de la propuesta de encarar la memoria histórica y política. Sólo que esta vez, el tema parte de la figura de Allende para ser colocado nuevamente en una sociedad que desconoce, según el director, la totalidad de los hechos que se sucedieron en los años setenta chilenos. Guzmán se pregunta cómo se puede ser revolucionario y demócrata a la vez, y las diversas respuestas que pueden contestar a esa interrogación son exploradas a través de los familiares de Allende, sus compañeros políticos, sus amigos más cercanos, las imágenes fijas que reconstruyen fotos y otros recuerdos personales del líder de la vía pacífica al socialismo. Cuando Guzmán intenta reconstruir lo ocurrido el día del golpe militar en la casa particular de la familia Allende, tratando de entrevistar a los vecinos para saber qué recuerdan acerca del saqueo que los militares hicieron en aquella casa, se encuentra con personas que no quieren hablar, le cierran la puerta o evaden la pregunta. Esto quizá resulta más explícito para el director que cualquier respuesta que hubiese podido obtener. La memoria no siempre es palabra, puede ser silencio y es justamente ese silencio el que lo dice todo. Tal vez lo más destacado del documental es la reconstrucción que logra Guzmán acerca de la participación de Estados Unidos en comunión con la derecha chilena para derrocar a Allende desde el momento de su asunción, en las entrevistas que va exponiendo por fragmentos al entonces embajador estadounidense en Chile. El lenguaje poético de Patricio Guzmán subraya los principales acontecimientos de la vida de Allende, cruzándolo con la historia que tocó a su tiempo y construyó su gobierno. El director lo hace regresando a fragmentos de sus documentales anteriores, en los cuales la realidad en blanco y negro reafirma el presente en color con que da cuenta de un proceso histórico único que Guzmán considera olvidado para gran parte de la sociedad chilena.

Fidel Castro y Salvador Allende. Cuba, 1971
Fidel Castro y Salvador Allende. Cuba, 1971

Conclusión
Recuperar la memoria del pasado histórico, social y político constituye la clave del cine documental de Patricio guzmán que se intenta analizar en el presente trabajo. Coincidimos con Jacqueline Mouesca cuando dice que La Batalla de Chile se ha convertido en el motor fundamental del género documental chileno y de mayor éxito en el mundo, siendo personaje y testigo de la historia que narra13. Si bien, Guzmán al darle voz al pueblo muestra las vertientes y discusiones en torno a la lucha pacífica o armada, no pone en cuestión en ningún momento la estrategia de vía pacífica al socialismo que intentaba construir Salvador Allende. Con un sentido estético prolijo, exacto acerca de cómo el impacto visual penetra en el espectador, Guzmán maneja el lenguaje cinematográfico en profunda conjunción con los sentimientos y los sentidos de manera que implícitamente indagará a los espectadores sobre sus propias creencias e ideas acerca de ese período histórico chileno. Como se ha afirmado, las voces del pueblo, la lucha de clase en las calles y en las urnas es una manifestación que constituye en los trabajos de Guzmán, un auténtico documento histórico. El reflejo del mismo se halla en La memoria obstinada y en Salvador Allende, documentales que re-construyen y asimilan los resultados de las luchas pasadas, las derrotas, las ausencias, las muertes, las presencias… todo lo que aun se deja oír atravesando los muros del olvido y del silencio impuestos por los años de la dictadura. “Todo documental sobre el pasado nos habla también del presente” como opina Andrés Di Tella14. Será por eso que Patricio Guzmán se introduce en la memoria sin buscar una re-visión sino una puesta en la escena social con La memoria obstinada y Salvador Allende, para derrotar al olvido.

*Universidad Nacional de Mar del Plata.
noelia.historia@gmail.com

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NOTAS

1 Brncic I., Moira. Marmaduke Grove: liderazgo ético. Chile: Ediciones Tierra Mía, 2003
2 De Ramón, A.: Breve Historia de Chile. Desde la invasión Incaica hasta nuestros días (1500-2000). Ed. Biblos. Bs.As. 2001.

3 Harnecker, Marta: La lucha de un pueblo sin armas (Los tres años de gobierno popular). Edición electrónica en http://www.rebelion.org 2003.
4 Patricio Guzmán, en entrevista por Jorge Ruffinelli. http://www.patricioguzman.com/index.php?page=entrevista

5 Garretón, Manuel A. y Tomás Moulián: La Unidad Popular y el conflicto político en Chile. CESOC. Santiago de Chile. 1993.

6 Israel, Ricardo: Chile 1970 – 1973. La democracia que se perdió entre todos. Ed. MN. Santiago de Chile. 2006.
7 Deleuze, Gilles: La imagen-movimiento. Estudios sobre cine I. Paidós. Bs.As. 2005.

8 Modak, Frida: Salvador Allende. Pensamiento y acción. FLACSO-CLACSO. Bs. As. 2008.
9 Patricio Guzman en Unidad Popular: la necesaria lucha por terminar con el capitalismo. Artículo publicado en http://www.rebelion.org/noticia.php?id=91523 2009.

10 Dos Santos, T.: Problemas estratégicos y tácticos en la revolución socialista en América Latina. En AA.VV “El gobierno de Allende y la lucha por el socialismo en Chile”. UNAM. México. 1976.

11 Perona, Alberto: Ensayos sobre video, documental y cine. Ed. Brujas. Córdoba. 2010.
12 Moulián, Tomás: La Unidad Popular: fiesta, drama y derrota. FLACSO. s/f.

13 Mouesca, Jacqueline: El documental chileno. LOM ediciones. Santiago. 2005.

14 Di Tella, A. El documental y yo. En: Labaki, A. y María D. Mourao (comps.) “El cine de lo real”. Colihue. Bs.As. 2011.

Bibliografía
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Vega, Alicia: Itinerario del cine documental chileno 1900-1990. Universidad Alberto Hurtado. Santiago. 2006.